La 41ª edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata reunió producciones de distintas latitudes que pusieron el foco en conflictos humanos extremos, vínculos familiares asfixiantes y heridas históricas. Desde una biografía sobre el impacto del sida en el teatro británico hasta un melodrama kazajo y la reciente ganadora del León de Oro en Venecia, estas tres propuestas dejaron huella en la programación por sus apuestas dramáticas y actoralmente exigentes.
Con una interpretación de Andrew Scott que le valió el premio a Mejor Actor en la Competencia Internacional de Largometrajes del 41° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, Elsinore (2026) se inscribe dentro de un molde narrativo reconocible, aunque sostenido por una notable firmeza dramática. Al igual que títulos como La vida en rosa (2007) o Bohemian Rhapsody (2018), el largometraje dirigido por Simon Stone aborda el recorrido vital de una figura artística real atravesada por el deterioro físico y la muerte prematura, apelando a esa sensación de pérdida frente a un talento interrumpido cuando todavía tenía mucho por dar. Esa estructura clásica, tan transitada por la industria cinematográfica año tras año porque conserva su eficacia emocional, se aplica con precisión en el retrato de los últimos años del actor escocés Ian Charleson. Recordado especialmente por su trabajo en Carrozas de fuego (1981), Charleson fue uno de los primeros intérpretes en recibir un diagnóstico de VIH positivo en etapa de sida en una época en la que no existían tratamientos capaces de frenar el avance del virus, y en la que la enfermedad estaba rodeada de estigmas, prejuicios y una asociación casi exclusiva con la comunidad gay, como había ocurrido poco antes con el caso público de Rock Hudson. Stone construye el relato a partir de la vida cotidiana del protagonista y sus vínculos con amigos, familiares, una expareja y colegas del prestigioso National Theatre, escenario clave donde, tras la partida de un muy joven Daniel Day-Lewis, asumió el rol principal de Hamlet. Ese desafío teatral funciona como el corazón dramático de la película, que traza constantes paralelismos entre el destino del príncipe creado por Shakespeare y la experiencia íntima del propio intérprete. Así, el castillo de Elsinore no solo remite al espacio de la tragedia isabelina, sino también al lugar donde Charleson pone a prueba su fortaleza física en cada función, alternando el escenario con las recaídas que lo obligan a acudir a la clínica atendida por la doctora que encarna Olivia Colman, cuya breve pero contundente aparición confirma que no existen roles menores para intérpretes de su talla. Más allá de responder a los códigos esperables de los dramas sobre enfermedades que por entonces resultaban letales, el filme logra conmover genuinamente al público, apoyado sobre todo en la entrega de Andrew Scott, quien perfila una fuerte presencia de cara a la próxima temporada de premios.
Por su parte, la representante de Kazajistán en la misma Competencia Internacional, Kindik (2026), propone un drama de fuerte tono melodramático en el que se desdibujan por completo los límites morales de una madre frente a la situación límite de su hijo adolescente. El relato parte de la figura de Dinara, interpretada por Aigerim Mustafa, una mujer posesiva que mantiene con el joven Kuanysh un lazo profundamente simbiótico. El propio título de la película, que significa «cordón umbilical», alude de manera directa a una unión que nunca terminó de romperse, al punto de que ambos continúan compartiendo la cama incluso cuando el muchacho acaba de obtener la oportunidad de viajar al exterior para continuar sus estudios. Ese equilibrio enfermizo se quiebra abruptamente después de una pelea que culmina con una muerte y deja a Kuanysh imputado junto a otros dos jóvenes. Sin embargo, las condiciones para afrontar el proceso judicial están lejos de ser equitativas: mientras el adolescente pertenece a un entorno económico precario, los otros dos acusados provienen de familias acomodadas con los recursos necesarios para eludir una condena. Frente a esa desigualdad, la trama explora hasta qué extremos es capaz de llegar Dinara con tal de impedir que su hijo termine en prisión. A partir de ese punto de giro, la historia deriva hacia una espiral de autodestrucción que combina intensidad emocional con una progresiva descomposición ética, en la que la madre moviliza toda su capacidad afectiva y racional para salvar al joven, dejando abierta la duda sobre si actúa realmente por él o impulsada por su propia necesidad de retenerlo. El director Darkhan Tulegenov acompaña ese descenso con una puesta en escena enfática y una fotografía de marcado contraste que acentúa los matices oscuros del conflicto, optando por un registro expresionista que subraya los aspectos más perturbadores de la historia. No obstante, esa acumulación de énfasis vuelve al conjunto algo recargado y esquemático, con una tendencia a remarcar cada idea como si la metáfora central del título no resultara suficiente por sí misma.
Finalmente, el paso por el festival marplatense de Woman Unknown (2026), reciente ganadora del León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia, permitió acercarse a una obra de indudable solidez formal en todos sus rubros técnicos y artísticos, aunque lastrada por una densidad excesiva que termina debilitando su impacto. Cuando el jurado presidido por Maggie Gyllenhaal otorgó el máximo galardón veneciano al filme dirigido por May el-Toukhy, la decisión se leyó también en sintonía con la voluntad de dar mayor visibilidad a las directoras mujeres, históricamente relegadas en la programación de los grandes certámenes internacionales frente a sus pares varones. Más allá de los debates habituales que despierta cualquier premiación y del abordaje tangencial de una problemática vigente como las presiones que recaen sobre las mujeres por su condición de género, la película agota pronto su planteo central y cae por tramos en un desarrollo moroso, recargado y pesado. Coproducida entre Dinamarca, Suecia y Letonia, la historia tiene como protagonista a Marie —en una destacada labor de Mathilde Arcel—, un ama de llaves y niñera que ha sido «elegida» por su patrón y cuya vida material cambiará radicalmente a través del matrimonio. Sin embargo, a medida que avanza el metraje, queda claro que detrás de la búsqueda de estabilidad económica se esconde el deseo urgente de alcanzar algo de paz, una tranquilidad ausente tanto en su historia personal como en el contexto inmediato de un país marcado por las huellas de la ocupación nazi. Apoyada en una notable recreación de época libre de artificios —donde la imponente casona en la que trabaja Marie aporta una atmósfera histórica contundente—, la película logra transmitir con eficacia el clima de sospecha, culpa y miedo vinculado a la delación durante la guerra y la posguerra, condensado en la imagen de una esvástica pintada en la puerta de entrada para señalar a alguien considerado indeseable. A través de escenas clave que retratan el escarnio sufrido por las mujeres que mantuvieron vínculos con soldados alemanes, la realizadora expone con crudeza las represalias sociales de aquel período, aunque en su afán por reforzar el peso de su tesis apela a planos demasiado prolongados, reiteraciones poco productivas y un cierre que tarda en concretarse pese a que el relato parecía haber encontrado su punto final media hora antes.
